Hoe maak je een geanimeerde korte film

Het is gemakkelijk om geïnteresseerd te zijn in animatie, maar het is moeilijk te beheersen. Er zijn evenveel animatiestijlen als animators en het starten van een korte film is een geweldige manier om animatietechnieken te oefenen terwijl u uw karakteristieke stijl ontwikkelt. Net als elke andere film kost animatie tijd, geduld en veel planning om het goed te doen, maar iedereen met een computer kan een geanimeerde korte film maken.

Inhoud

Stappen

Methode 1maak een animatic (preproductie)
Methode 2animeer je film (productie)
Methode 3maak je film af (postproductie)

Tips
Waarschuwingen

stappen

Methode 1
Maak een animatic (preproductie)

Schrijf een script Dit is vaak makkelijker gezegd dan gedaan, maar je moet je ideeën duidelijk noteren en structuur geven voordat je begint te werken. In tegenstelling tot real-image films is het bijna onmogelijk "improviseren" een geanimeerde film, omdat het gewoon te lang duurt om alles te animeren. U kunt een eenvoudig Word-document of scriptsoftware gebruiken, zoals Celtx, Writer Duets of Final Draft. Uw script heeft geen dialoog nodig, maar heeft wel het volgende nodig:

Een thema: Wat is de "punt" van de korte film? Dit hoeft niet hoogdravend, diep of gecompliceerd te zijn. Het kan van alles zijn "het verlies van de kindertijd onschuld" of "Verveling is een gemoedstoestand" omhoog "Ik wil mensen laten lachen met deze grap". Zie het als een leidraad voor uw film.
Characters: Wat is het dat de aandacht van het publiek zal trekken? Dit kan van alles zijn, van een persoon of een dier tot een magere lijn, zoals in de Oscarwinnende korte film Het punt en de lijn: romantiek in de basiswiskunde.
beelden: Waar vindt de korte film plaats? Wat is de sfeer of de atmosfeer? Een script moet het verhaal van de korte film volledig vertellen, zodat het kan worden gebruikt als een blauwdruk voor toekomstig werk.
Een begin, een midden en een einde: Het lijkt vanzelfsprekend, maar dat is het punt. Bijna alle verhalen worden in drie delen of specifieke handelingen verteld en afgebakend. Dit betekent niet dat je een verhaal over drie acts of zelfs personages moet hebben. Je moet echter wel de actie van de korte film plannen voordat je verder gaat.

De eerste act geeft de personages een probleem (ze hebben honger, de wereld raakt op, de jongen vindt het meisje leuk, enz.).
De tweede handeling compliceert het verhaal of probleem (alle winkels zijn gesloten, de slechterik kan winnen, het meisje heeft al een vriend, enz.).
De derde acte biedt een oplossing voor het probleem (vind een broodjeszaak, red de wereld, de jongen kent een ander meisje, enz.).

Maak schetsen van karaktermodellen. Voordat je gaat animeren, moet je weten hoe je personages er uit zullen zien. Maak schetsen van ze in verschillende houdingen, kostuums en uitdrukkingen om een idee te krijgen van hoe ze eruit zullen zien. Vergeet niet dat een personage alles kan zijn in een animatiefilm, van een beer tot een zoutvaatje en een peperstrooier. Toch moet je je personages van tevoren ontwikkelen, zodat ze er altijd hetzelfde uitzien wanneer je ze animeert.

Maak een storyboard Storyboards zijn afzonderlijke tekeningen voor elk stuk actie in het script en worden gebruikt bij de productie van bijna alle films, of ze nu geanimeerd zijn of niet. Ze zijn zowel eenvoudig als uitgebreid, omdat er een nodig is voor elke verandering die je in de film wilt. Ze hebben echter geen achtergrond- of kleurdetails nodig tenzij ze essentieel zijn voor het verhaal. U kunt een verscheidenheid van vinden en afdrukken Gratis sjablonen voor online storyboards of teken ze zelf. Elk frame van het storyboard bestaat uit twee delen:

De afbeelding: Teken in een rechthoekig vak de hoofdactie van de slag waarbij de achtergrondafbeeldingen voor het moment worden genegeerd. U kunt ook notities of pijlen tekenen om beweging aan te geven.

De dialoog: leg hieronder op wat er in de opname moet worden gezegd, de voorgestelde lengte van de opname en elk effect (scherpstellen op iets met de zoom, wankele camera, enz.).

Importeer je storyboard in een videoproductieprogramma en bewaar elk frame afzonderlijk. Zodra u de geplande opnamen hebt gemaakt, importeert u deze naar uw computer. Zorg ervoor dat u ze correct noemt (bijvoorbeeld Act1.Scene1.Toma1.jpg). Wanneer u klaar bent, importeert u ze allemaal in uw videobewerkingssoftware (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, enz.) En plaatst u ze in de juiste volgorde.

Adobe AfterEffects of Premier worden beschouwd als de industrienormen, maar u kunt elk programma gebruiken waar u zich het prettigst bij voelt.

Gebruik je storyboard om een getimede diavoorstelling of animatiefilm te maken. De animatics zijn de geschatte montages van de animatie. Ze combineren het ritme van de korte film en laten tijd toe om op de juiste manier getimed te worden voor de laatste korte film. Dit klinkt ingewikkeld, maar in werkelijkheid zijn het gewoon diashows met de juiste timing. Plaats de storyboard-afbeeldingen op volgorde in je bewerkingssoftware en breid ze uit, knip ze uit en experimenteer ermee totdat je een montage hebt "benaderend" van de laatste korte film.

Je kunt online voorbeelden van animaties vinden, zoals de animatiefilm voor de videoclip van Feel Good Inc. uit de Gorillaz-band, evenals enkele animatics van de Pixar-studio`s.

Bijna alle animatiefilms zijn gemaakt van animatics. Anders loop je het risico uren te spenderen aan het volledig animeren van een scène die moet veranderen, verlengen of inkorten of elimineren.

Voeg dialoog- en geluidseffecten toe en pas de animatietijd aan waar nodig. Nadat u de geschatte tijdmeting hebt bepaald, wordt het tijd om de dialoog vooraf op te nemen. Dit hoeft niet perfect te zijn en je kunt zelfs de geluidseffecten met je mond en handen voordoen als je wilt. Het gaat om het meten van tijd. Heb je genoeg tijd om alle woorden te zeggen? Verleng of verkort de lengte van de dia`s indien nodig.

Hoe dichter de dialoog tot in de perfectie kan zijn, des te beter, omdat de meeste goede stemprestaties een adequate tijdsmeting vereisen. Met dit in gedachten is het nu niet het moment om je zorgen te maken over de ins en outs van stemacteren. Je moet de animatic voltooien voordat je doorgaat naar volledige productie.

Controleer je animatic alsof het de laatste film is. De laatste animatic moet het hele verhaal van je film vertellen, minus de kleur, achtergrond en detailsversieringen.

Als je weet over videobewerking, je kunt panoramische foto`s toevoegen, inzoomen en overgangen toevoegen om ze te testen voor je laatste bewerking.

Overweeg een tablet te kopen. De tablets zijn kleine computers met een elektronische pen waarmee je kunt "tekenen" rechtstreeks op de computer. Goed tekenen met een muis is bijna onmogelijk, en tenzij je van plan bent om kleine projecten of animaties beeld voor beeld te doen, heb je bijna zeker een tablet nodig.

Methode 2
Animeer je film (productie)

Bepaal uw manier van animatie. Dit hangt meestal af van de ervaring en de hulpmiddelen. Het is bijvoorbeeld heel moeilijk, zo niet onmogelijk, voor een beginner met een oudere computer om 3D-animaties zoals Pixar`s te maken. Er zijn vele, vele software- en animatiestijlen en ze hebben allemaal complexiteiten en technieken die uniek zijn voor elke stijl.

2D-animatie: Dit is de klassieke look van handgetekende karikatuur. De karakters zijn vlakke lineaire tekeningen. Oorspronkelijk werden ze frame voor frame getekend, maar nu is er een verscheidenheid aan software die het proces veel sneller maakt, zoals Synfig, Pencil2D, ToonBoom of zelfs Adobe Photoshop. Traditioneel worden 12 tot 24 tekeningen gebruikt voor elke seconde van de film.
3D-animatie: 3D-animatie is vergelijkbaar met de modellen die worden gebruikt in videogames en films zoals Toy Story en Shrek en het is veel moeilijker te beheersen. Hier worden modellen van de personages gemaakt en wordt beweging gecodeerd in hen, wat 3D-animatie een soort van hybride maakt tussen kunst en codering. Je moet ook verlichting en texturen toevoegen. 3D-software kan worden gebruikt, maar het kost veel tijd en vereist software zoals AutoDesk, Poser Pro, Aladin of Sketchup. De meeste 3D-animatie is het resultaat van geweldige teams die samenwerken.
Animatie per frame: Zo eenvoudig dat iedereen het kan, de animatie beeld voor beeld wanneer je figuren of tekeningen uit het echte leven gebruikt en een foto maakt na elke kleine beweging. Wanneer de beelden met hoge snelheid achter elkaar worden gereproduceerd, simuleren ze beweging. Dit kost echter ongelofelijk veel tijd, omdat er vaak meer dan 12 foto`s nodig zijn per seconde van de beelden om het er vloeiend uit te laten zien. U kunt knipsels, plasticine-modellen, individuele tekeningen of echte mensen gebruiken om dit soort animatie uit te voeren.
rotoscoping: een gespecialiseerde vorm van animatie die te vinden is in films als Een blik op het donker, de rotoscopie is het animeren van films die conventioneel zijn gefilmd. Om dit te doen, hebt u een tablet nodig en bekijkt u het beeldmateriaal beeld voor beeld met behulp van de video als een gids om de tekens te tekenen. Het resultaat is een realistisch aspect maar desondanks geanimeerd.

Teken de achtergronden. Begin met de scenario`s, omdat de tekens erop worden geplaatst. De achtergrond moet alles zijn wat de personages zijn ze hebben geen interactie, omdat alles dat beweegt moet worden geanimeerd. De achtergrond moet een grote tekening zijn en met een hoge resolutie worden gescand. Dus je kunt het "focus" bepaalde secties zonder het te vervormen. Als u bijvoorbeeld twee karakters in een cafetaria hebt, moet u de hele kantine achter zich laten. U wilt misschien het "camera" Richt je op elk personage terwijl ze individueel spreken. In plaats van de achtergrond achter dat teken opnieuw te tekenen, kunt u een kleiner deel van de gedetailleerde achtergrond kopiëren en plakken "closeups".

Maak schetsen, modelleer of ontwerp je "sleutel vormt". Wat zijn de essentiële houdingen van je personages of de acties die hen in de scène kenmerken? Zie ze als de "bestemmingen" voor elk stuk beweging. Bijvoorbeeld een personage dat voorbereidingen treft om te slaan. Je kunt dit in drie delen verdelen "sleutel vormt", die elk afzonderlijk getekend en opgeslagen moeten worden.

Sleutelhouding 1 = In rust. Het kan een gezicht van verrassing, woede of vastberadenheid zijn, of simpelweg het personage met zijn handen aan zijn zijden.

Sleutelhouding 2 = Voorbereiding. Hoe leunt het personage zijn arm terug? Maak je nog geen zorgen over de beweging om naar deze positie te komen, teken hem gewoon met de arm naar achteren en klaar om hem los te laten.

Sleutelhouding 3 = Het einde. Waar eindigt het personage direct na de punch? Je arm zal worden blootgesteld en je lichaam zal waarschijnlijk de beweging beëindigen. Nogmaals, focus op de laatste pose, niet op de foto`s terwijl de hand beweegt.

Terwijl meer belangrijke houdingen tekenen, zal de beweging complexer zijn. U kunt bijvoorbeeld belangrijke foto`s van het personage toevoegen met uw gezicht stomverbaasd, een vuist maken met uw hand, uw elleboog laten vallen, met uw arm zwaaien, stompen en vervolgens draaien aan het einde van de beweging.

Teken de afbeeldingen "tussen-". Bijvoorbeeld, in het geval van de punch, hoe ben je van de ene sleutelpositie naar de andere gekomen? Er zijn enkele geavanceerde software die dit automatisch doet. Zodra de modellen van de personages zijn gemaakt, de software "toneelstukken" de tussenliggende beweging automatisch. Als je echter nog maar net begint, zul je waarschijnlijk je eigen foto`s met de hand moeten tekenen. Hoe meer foto`s u maakt, hoe meer vloeiend de actie zal zijn.

Het kan handig zijn om de hoofdframes op het scherm als hulplijnen te plaatsen. Dit helpt je te zien waar je de personages moet nemen en waar ze zijn begonnen.

Als iets niet beweegt, doe dan niet de moeite om het opnieuw te tekenen. Kopieer en plak het hoofdframe, verwijder het deel dat moet worden verplaatst en bewaar al het andere waar het zich bevond.

Componeer de beelden. Componeren is slechts een elegante manier om het proces van het bedruipen van de film te beschrijven. Dit kan zo eenvoudig zijn als alle frames voor de animatie beeld voor beeld sorteren of zo gecompliceerd als het spelen van een 3D-model met de juiste verlichting. Nogmaals, je animatiemethode zal bepalen hoe je iets gaat maken:

Voor 2D-animatie gaat componeren erom de beweging vloeibaar te laten lijken. Software zoals ToonBoom doet het automatisch en kan worden gebeld "reproduceren".

Voor 3D-animatie moet u weten dat dit veel tijd kost. Belichtingseffecten en -structuren zijn moeilijk te programmeren en zelfs de snelste computers hebben uren nodig om een video samen te stellen.

Voor frame-voor-frame animatie, moet je experimenteren met de lengte van de frames en de foto`s aanpassen tot een tiende of honderdste van een seconde om een vloeiende beweging te verkrijgen.

Methode 3
Maak je film af (postproductie)

Neem een willekeurige dialoog op voor de uiteindelijke film. Nu je de animatie bijna hebt voltooid, is het tijd om ervoor te zorgen dat de stemmen goed verlopen. Je stemacteurs kunnen de laatste scène, de uitdrukkingen van hun personages en de meting van de tijd die je wilt zien in de uiteindelijke opname. Hierdoor kunnen zij of u de beste zangprestaties geven.

Houd er rekening mee dat op dit moment elke wijziging in de animatie tijdrovend kan zijn. Daarom is zorgvuldige pre-productie essentieel voor een animatiefilm van elke lengte.

Voeg waar mogelijk de geluidseffecten toe. De geluidseffecten zouden na de stemacteurs moeten komen en moeten worden aangepast aan een voldoende volume waar ze de dialoog niet overbelasten. Er zijn natuurlijk uitzonderingen op deze regel. Als er bijvoorbeeld een explosie is waarop de tekens moeten reageren, is het misschien beter om deze eerst te plaatsen voordat u de dialoog opneemt. Dit helpt de acteurs met de reacties.

Audiomixing is een belangrijke en subtiele kunstvorm. Investeer in een goede koptelefoon of luidspreker om alle volumes correct af te stemmen.

Bewerk de film tot je je uiteindelijke visie krijgt. Nu dat je de hele film bij elkaar hebt, hoe ziet het eruit? Het is waarschijnlijk dat sommige overgangen er ruw uitzien en dat een of twee scènes langer zijn dan ze zouden moeten zijn. Net zoals je elke echte film zou moeten bewerken, moet je je geanimeerde stuk met kritische ogen bekijken en het oppoetsen totdat het schijnt. Hoewel er geen manier is "rechts" om een film te bewerken, zijn er een paar principes die u in gedachten moet houden:

Voelt een scène snel en essentieel? Voel je je altijd betrokken? Maakt een specifieke lijn of shot het verhaal of het thema beter? Als het antwoord op een van deze vragen nee is, begin dan met knippen. Vaak zijn de eerste en laatste regels van de dialoog overbodig, omdat het invoeren of verlaten van een scène meestal boeiender is. Elk frame telt tijdens het bewerken.

Bekijk de film met iemand die ver van het project verwijderd is. Waren er delen waar je je verveelde? Heeft iets je in de war gebracht of heb je meer tijd nodig gehad? Hoe kun je je verhaal bewerken om het zo fascinerend mogelijk te maken?

Hoe vloeide de scène? Soms helpen 2 of 3 seconden achtergrondmateriaal de kijker om op adem te komen en zich onder te dompelen in de volgende scène voordat de dialoog begint.

Voeg extraatjes toe om te polijsten, zoals effecten, overgangen en kleurcorrectie. Als u bijvoorbeeld een tint voor sepia en verleden wilt voor uw film, voegt u deze toe aan het einde. Dit soort kleine veranderingen zijn overbodig als je de film bewerkt en bouwt. Ze zijn ook nutteloos als u de scène bewerkt of het kleurenschema wijzigt. Al deze minimale details moeten tot het einde doordringen, als je eenmaal zeker bent dat het "moeilijkheid" van de film is voltooid.

Voeg sweeps, dissoluties of fades toe aan de overgangen tussen scènes.

Voeg een filter of effect toe aan het voltooide beeldmateriaal.

Aan het einde van alles, voeg titels en credits aan het begin en einde toe als dat nodig is.

tips

Neem je tijd in de preproductie. Het zal je later veel hoofdpijn besparen.
Maak een testfilm, niet langer dan 20 tot 30 seconden, als je net begint met nieuwe software. Dit zal je helpen om het programma en de uitdagingen ervan te leren voordat je jezelf onderwerpt aan je visie.
Werk aan kleine stukjes om de beste resultaten te krijgen (een scène, een actie, enz.) En voeg ze later bij.